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文学概论试题及答案A2009
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你可能喜欢像看了一部电影（图像）之后画出一幅画（图像）就很好理解有没有可能听了一首钢琴曲（声音）之后画出一幅画（图像）呢？也就是说两者的形式跨度比较大时，转变的具体过程是怎样的呢？
谢邀。提供一个理论Metaphysical desire or triangular desire assumes that no desire is original, no wish spontaneous. Every desire is copied from someone else's desire. (p.277, the optical unconscious)Rosalind Krauss用佛洛依德的Metaphysical desire来解释，分为subject, mediator, object. 虽然她用来解释pollock对毕加索的模仿，andy warhol和一系列艺术家对pollock的模仿，我觉得这里还是有类比意义的。比如我们还是来对比一下John Cage 4'33''和robert rauschenberg的white painting系列。White Painting, Robert Rauschenberg, 1951White Painting, Robert Rauschenberg, 1951John Cage, 4'33'', 1952/53 （此为画作也是乐谱，视频在下面）John Cage, 4'33'', 1952/53 （此为画作也是乐谱，视频在下面）John Cage," the white paintings were the airport for the lights, shadows and particles."在这个创作过程中subject可以看做John Cage, mediator可以看做robert rauschenberg和他的white paintings, object是作品4‘33’‘。可以看做一个三角关系，mediator可以作为载体在subject和object之间的直线上来回提供思路，但是mediator并不能作为过渡，subject仍然通过自己创造object。只提供理论，不表达认同。ps: 我们之前每次讨论哲学的时候都不敢下定义每次都是“康德定义的xx是什么”，“黑格尔定义的xx又是什么”，现在终于轮到艺术史pps: 对于所有艺术家来说，毕加索是一座大山，pollock又是一座，要么翻阅他们，要么模仿他们。andy warhol是最有自知之明的一个。展开讲warhol和pollock太复杂了我都能写100页paper了，简单阐述一下pollock改变了作画的方式，把放在桌子上的画布上的画放在地上了，所以你把他的作品挂起来你会发现虽然是drip painting你仍然分不清到底哪里是上面哪里是下面，因为创作的时候他没有考虑gravity这个因素。展开讲warhol和pollock太复杂了我都能写100页paper了，简单阐述一下pollock改变了作画的方式，把放在桌子上的画布上的画放在地上了，所以你把他的作品挂起来你会发现虽然是drip painting你仍然分不清到底哪里是上面哪里是下面，因为创作的时候他没有考虑gravity这个因素。Installation view, anday warhol, 1965Installation view, anday warhol, 1965
更新&br&想体验的各位，机会来了~&br&时间：6月25日至10月10日&br&坐标：北京民生现代美术馆&br&两种方式参与：&br&1.体验（来试一下，几个人共用一套耗材，作品你喜欢可以买，可能会贵一些）&br&2.定制（你的专属耗材，你来弹琴或者你的朋友或者你能请到的大咖演奏家我们都欢迎，我可以教你如何通过调整参数即时控制画面效果，预付款，相对便宜，演奏完成后作品你收藏）&br&两种参与方式都需要预约。&br&具体请看：&a href=&///?target=http%3A///article/mIS& class=& external& target=&_blank& rel=&nofollow noreferrer&&&span class=&invisible&&http://&/span&&span class=&visible&&/article/mIS&/span&&span class=&invisible&&&/span&&i class=&icon-external&&&/i&&/a&&br&北京首次公演~欢迎捧场~&br&&br&--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------&br&&br&谢邀。上我的作品，一个钢琴绘画装置。简单地说，就是通过一个机构，使钢琴在被弹奏的过程中，能自动绘制抽象作品。我觉得是对这个问题最好的注解。&br&&br&视频：&br&&a href=&///?target=http%3A///v_show/id_XNzkwMzk1NzM2.html& class=& wrap external& target=&_blank& rel=&nofollow noreferrer&&王浩臣作品—不确定的表达（）&i class=&icon-external&&&/i&&/a&&br&&br&照片：&br&&img src=&/d14de98e9d628cda744b_b.jpg& data-rawwidth=&3673& data-rawheight=&2676& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&3673& data-original=&/d14de98e9d628cda744b_r.jpg&&&br&这是最开始做的，即1.0版本，体量很大。&br&后来一直在完善，做到了3.0版本。下图是国家大剧院院庆的时候，受邀在公共空间演出。&br&&img src=&/604fc081ec700da743afde32_b.jpg& data-rawwidth=&2040& data-rawheight=&1360& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&2040& data-original=&/604fc081ec700da743afde32_r.jpg&&期间，还发展出了一个艺术计划。2013年4月的时候，我邀请聋哑人来弹我的钢琴，他们听不到，但是能看到自己的演奏所绘出的美丽图画，他们的喜悦写在脸上——我知道那一刻他们真的非常幸福。然后，我把这批绘画作品出售，所得的钱款用于帮助贫困的聋哑儿童购置助听器和人工耳蜗。这个项目的后续还在进行当中。这个项目当时在上海静安区的悦达889广场展演，还在旁边芳汇广场的空间做了一个小型的个展。整个项目和一个广告公司合作，拍成了一支公益广告，还获得了很重要的奖。出于保护和尊重的原因，就不上图了。&br&&br&回到题目本身，题主所说的关于不同艺术形式间的灵感呈现或是转化。实际上，在我的作品中，演奏的技巧并不重要，哪怕是听不见的聋哑人，或者是对音乐毫无感觉、也未受过专业训练的人，演奏我的钢琴装置都可以实现绘画的效果，甚至比一个专业演奏家所绘制的画面还要好。因为我在系统中，设置了很多变量。我将这系列作品命名为《不确定的表达》，因为作为艺术创作来讲，我喜欢一定的偶发性、随机性、不确定性。其实想实现精准地设计和编程，使得绘画效果完全可控、可预估，技术上没有问题。但我认为，这离我在这里想表达的艺术观念比较远，情绪化的东西少一些。&br&&br&&img src=&/390d06c4db7d6e3842bdcc7aff71be21_b.jpg& data-rawwidth=&548& data-rawheight=&336& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&548& data-original=&/390d06c4db7d6e3842bdcc7aff71be21_r.jpg&&以上就是这件装置所完成的部分互动作品，其中大部分是不懂音乐的现场观众，随便参与而实现的。我在每次演出和展览过程中，有时会根据展览现场条件或主办方要求，邀请专业演奏家定时演出——比如国家大剧院，其他时候我一般都会鼓励观众参与互动。&br&&br&当然，也有一些是演奏特定曲目完成的。当然，除了演奏的因素外，我会设置其他的变量，在一定程度上实现一个视觉艺术家对画面效果的控制。&br&&img src=&/ce079b38a2b_b.jpg& data-rawwidth=&1600& data-rawheight=&1600& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&1600& data-original=&/ce079b38a2b_r.jpg&&这个曲子很简单，大家都会——《车尔尼849》的第一条。由我本人演奏。&br&&br&&img src=&/cbcaede73ea3d9f61a73f_b.jpg& data-rawwidth=&1600& data-rawheight=&1600& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&1600& data-original=&/cbcaede73ea3d9f61a73f_r.jpg&&在中国美术学院展览的时候，由现场观众骆威演奏的《匈牙利舞曲》。&br&&br&&img src=&/d1b58bb90be02e3b14f2f0db50cfba1b_b.jpg& data-rawwidth=&1600& data-rawheight=&1600& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&1600& data-original=&/d1b58bb90be02e3b14f2f0db50cfba1b_r.jpg&&这其实只是《献给爱丽丝》的前面十几小节，我认为画面效果OK了，就停了下来，结束。&br&&br&&img src=&/f39e1c8e8f9c_b.jpg& data-rawwidth=&1600& data-rawheight=&1600& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&1600& data-original=&/f39e1c8e8f9c_r.jpg&&&img src=&/703a29e9b4f295efc86305_b.jpg& data-rawwidth=&1600& data-rawheight=&1600& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&1600& data-original=&/703a29e9b4f295efc86305_r.jpg&&上面两件作品来自于权昊演奏的久石让《天空之城》，画面效果如此不同，就是我通过控制系统的某些参数，带来的影响。&br&&br&好了，卖完安利了，可以概括一下我的思想。&br&实际上，我对艺术的理解，或者说对艺术创作的理解，非常简单。任何艺术创作，文学、美术、音乐、戏剧、电影、舞蹈，都是一样。我们常常听说艺术来源于生活——其实未必，每个艺术家创作的方式不一样，甚至不同的作品、不同的创作任务，采用的方法也都不一样。可能来源于生活，也可能来源于理论学习，也可能来源于长期积累形成的系统方法论，更可能来源于其他领域的一些新的知识和观点的触动——这可能就是你们所说的灵感吧。我个人在创作上，不太相信有所谓灵感。艺术创作其实就像尿尿，水喝多了，自然就有尿了。生活经验、读书、学习、与人交流、深入地思考、对生活和世界的敏感，就都是水。顺便提一句，如果你身边有个艺术家，没有上述这些活动，生活比较无趣或者只有声色犬马，不太读书、生活粗糙、对世界不够敏感，那么你可以判定，他不是一个好艺术家。&br&&br&&u&&b&好像又扯远了。我的意思是，题主所说的从音乐到绘画这种艺术上的转化，其实是最基本最简单的。学习了一些天文学，写了一部交响（古斯塔夫·霍尔斯特的《行星》组曲）、研究了一下解剖和生物学，创作了一系列电影（马修·巴尼《悬丝》），其实并没有什么不同，因为艺术本来就是靠转化来实现其浪漫的。任何事物、知识，都可以触发艺术家创作的愿望和想法，只是我不认为那是灵感，而是一直喝水喝水，终于，憋不住了。&/b&&/u&&br&&br&&br&&u&&b&艺术是一种转化，拙劣的艺术，是看着苹果，画出了一个橙子。而杰出的艺术，是看着苹果，写出了一首诗。&/b&&/u&&br&&br&以上。&br&&br&&br&&br&&b&&u&结尾再卖个安利。我的一个新艺术计划正在实施中，有关于动物的艺术创作。无门槛，高回报（精神、体验和物质上均有），任何人都可以参与，欢迎知友们积极参加~~~方式见以下：&/u&&/b&&br&不扫码，不幸福~~~&br&&img src=&/920ae42a03dce22e644149e_b.jpg& data-rawwidth=&430& data-rawheight=&430& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&430& data-original=&/920ae42a03dce22e644149e_r.jpg&&
更新 想体验的各位，机会来了~ 时间：6月25日至10月10日 坐标：北京民生现代美术馆 两种方式参与： 1.体验（来试一下，几个人共用一套耗材，作品你喜欢可以买，可能会贵一些） 2.定制（你的专属耗材，你来弹琴或者你的朋友或者你能请到的大咖演奏…
泻药。这是一个很有趣的问题，但本人不是一个正统的文艺理论工作者，也不是哲学领域的研究者，所以只能以浅薄的知识抛砖引玉，还望他人做更详细的解答。&br&&br&作为开场白，我想问各位：每一种“创造”不都是从“无”中诞生的么？每一瞬“灵感”也不都是从“灵光”中蹦出的么？要是真如我所言，那形式的相异性在“创造‘的结构中不会起到任何作用。事实或许正被我幸运地“&b&引用&/b&”了。但是为了让各位都理解这种理论，我想还需举几个例子。&br&&br&西方文艺复兴的创见，尤其艺术领域，并不仅仅在于对透视方法的应用、对古代文献的挖掘、对古典艺术的复现，更多地则落在整体的“人文主义”思潮，与其带给15、16世纪欧洲的一种现代叙事方式和一种现代艺术体制。文艺复兴的画家所遇到的棘手问题，可能同任何时期画家一样，他们不断思索如何在静止的画面中进行叙事以及如何用视觉语言&b&重构&/b&圣经故事。初涉艺术领域的读者或许会纳闷，但据圣奥古斯丁的记述，从中世纪以来的宗教绘画往往并不如实地重现圣经文本的内容，而通常把几个毫不相关的人物或故事绘制在一起。显然地，我们发现艺术家在创作这些绘画时重构了文本内容，这就像折叠的时空，将“适合”相连的几个片段合并在一起。有一个著名的例子，就是文艺复兴初期的“圣母领报”主题。&br&&br&修士Beato Angelico一生创作了许多“圣母领报”题材绘画，并开创性地将“逐出伊甸园”与“圣母领报”组合在同一个空间中。旧约的开篇和新约的开篇被呈现在一起，人所遭的苦难从这里开始，也从这里结束。不难想象，将这两个故事合并是一种诗的手法。圣经文本并没有描绘这幅场景，但艺术家通过对故事结构的重新构造，将他们并置了。这是第一层重构。艺术家之所以这样操作，是因为他不但感受到这两个故事在圣经语境中的连贯性（圣经并不是一篇连续的“小说”），同时他还可能深刻地认识到绘画形式的同时性可以增强这种连贯性，并可以明显地表达一种观点。&br&&img src=&/ffb12ca6d4b3bb969c918_b.jpg& data-rawwidth=&720& data-rawheight=&761& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&720& data-original=&/ffb12ca6d4b3bb969c918_r.jpg&&&br&这些绘画在被观看时，第二种重构发生了，更多的意蕴被观众“创造”。他们引用圣经故事对作品进行解读：左上方的红门是地上乐园的出口，并且联通我们的世界。有的观众想的更深，他发现两个故事的关联；而有的观众带有悲观精神，并没有看到苦难即将离去。总之，画面又转变成“语言”，转变成一种可言说的文本，也转变成很多不同的闪念或灵光，在观众的思绪里酝酿。&br&&br&而在那么多观看画面的观众里，有一位值得我们着重叙述一下。那是1908年某一天的康定斯基，他“思考着问题从写生地走回画室,打开画室门,突然见到了一幅闪烁着不可思议的光彩的美妙绘画,而且一下子也看不出画中描绘的形象。整幅画面呈现在色彩的斑澜之中。当再走近一瞧时才恍然大悟,那是他的一幅倒放在画架上的作品。”康定斯基通过这般画面体悟到了画面内容是可以被撤销的。而我们通过这个故事应该会感受到一种语境的重要性，因为康定斯基在1908年到1910年期间并没有再次找到如此振奋人心的感觉。&br&&br&把视角抽回文艺复兴，波提切利刚在美第奇别墅创作完名为《春》的油画巨作。这时波提切利的作品需要一个观众，而它恰恰安放于美第奇别墅里。那时“奢华者”罗伦佐仍健在，他曾邀人收集并翻译从东方寻回的古希腊著作，可想而知这位“智者”足以解开画面的难题。同其他古希腊神话题材绘画不一样，波提切利在这里并没有描绘一个具体的故事，甚至不能从古希腊神话中找出半点有关这个场景的文本来。他描绘的是意大利诗人波利蒂安歌颂爱神维纳斯的场景。如果对古希腊神话人物不熟悉的观众，这幅画面就是一片打乱的拼图：画面中央的不是春神，而是维纳斯，她的右侧是花神，而那位跌跌撞撞的裸女才是题目中的春。那些不识希腊神话的“白丁”甚至会认为这只是一幅聚众淫－乱的盛宴。那么画面的内涵在不同人群中呈现出两种或多种截然不同的版本。事实上，文化所构建的巨擎支撑起的那一套套独特的语言系统对一切艺术作品的解读都起到了明码的功能。文艺复兴因此不但孕育了众多优秀的艺术家，更重要地是她还必须同样孕育为数众多的观众。&br&&img src=&/e4f9fd9bec1d84e0d22bba_b.jpg& data-rawwidth=&472& data-rawheight=&325& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&472& data-original=&/e4f9fd9bec1d84e0d22bba_r.jpg&&&br&对于这幅画，波提切利还结合了音乐范式。这从构图中可以看出。这里的结构是稳定而空灵的纯五度音程，从右侧数到维纳斯是四份，到美惠三女神则是六份，而全图可被分为九份，形成4/6/9的Double 5th音程结构。正如学者Charles Bouleau在《The Painter's Secret Geometry》中描绘的那样：画面中的推拉、下降的脚和上升的手形成了一种舞蹈，踩在五度音程的和声中。从而我们可以发现，音乐的理想与范式介入了绘画创作中，目的则是在绘画中营造一种氛围，一种基调。如此，我们可以将绘画的基调和音乐的基调等同起来，就好像我们闻香时总是借用味觉词汇那样，绘画和音乐通常也会互相借用术语。在所有艺术作品中，叙事和氛围常常被互相借用。拿破仑的雄姿可以被呈现为大卫的名画，也可以被编织成贝多芬的名曲，一种悲壮的、英勇的叙事感和氛围蹦涌而出。这甚至不需要过多的文本注解，甚至是跨越文化的。艺术品的转化通常就发生在这两个要素的精确把握上。&br&&br&在中国，一个伟大的系统当今仍被不断运用。五行系统在经过多次改良后，统一了自然人的所有感官。通过运用这套系统，我们可以把宫音生涩地译为黄色或甜味。五行系统事实上就是一组明码，它把所有的感官互相对应，从而被人翻译。艺术品的转化并不如五行系统那么简明直接，但其原理无不雷同。&br&&br&罗兰巴特在《作者已死》一文中提出一个重要观点，即并不存在创作者，仅仅存在写作者。写作者这一术语的意义在于，原先所谓的作者所作的工作仅仅是对已有文本的拼接、重构，一盆大杂烩而已。事实上，在每个文化中都存在一个五行系统，她有机地把不同感官刺激对应起来，互相转化。作者的行为只是在这个系统中选取几个元素，送交到翻译部门转化一些再重新搭建。而观众同样需要依靠这个系统，将感官刺激还原为可被知觉的意向。胡塞尔在其著作中举例了一张不可见的照片，这种不可见并不是基于物理层面的，而是基于文化层面的。这就好像波提切利的音程构图对多数人不可见一样，文化系统的变化导致了作品内容的变异。但事实上，也并不存在作品这一独立的单元。任何作品在观看时都碎裂为一组“互相竞争的话语”，观众重构了作品。因此，在观众的角度作品A既可以是由作品B转化而来，同时也可以不是。在作者角度，事实也是一样的。Beato Angelico在创作了四幅带伊甸园景象的《圣母领报》后，就不再使用这种手法。这种突然的停止之原因不可考证，但无疑地Angelico作为自己作品的观众，同样在之后的创作时要么沿用、要么改进而最终放弃了这种手法。康定斯基的例子也是一样，作为连觉症患者的他，在那个下午所感受到的气氛需要经过长时间的尝试与修改才能在他的角度下复现于单纯的画布上。在1926年，即其抽象画风格成熟时期，《点线面》这本词典般重要的抽象绘画指南也横空出世。康定斯基的例子告诉我们即使是患有连觉症的人，也需要通过建立一套系统才能满意地互相“转化”两种相异媒介下的作品。&br&&br&这套系统看起来神秘，但事实上就是一种活动的思维范式。作者兼具写作者与观众的双重身份，他们将先前的文本再增添自己的元素后进行重构。就像他处理自然事物一样，先前的作品同样也是一种可被处理的事物，也同样具有可被重构的文本。在这过程中，因为系统的相异性，他作出了与之前文本相异的一种版本。这在下一代观众眼中又继续被误读与重构，从而建立流变的艺术史。&br&&br&因此，我们可以说作品之间的转化事实上是不存在的。任何创作都基于一种不可见的内在文本，而作者既然作为观众就必然会对他者的作品产生误读，再经过个人风格化系统的重组，其本身早已变形。而同样的，也不存在一种原始写作。Angelico对圣经文本的演绎并不是对圣经文本本身而是对其所见的圣经文本的演绎。在同一母题下，这些相异的作品就构成一组话语样本。所以，与其说是对某件作品的转化不如说是对母题的重构。&br&&br&在不同媒介的艺术作品间的转化就是这样一种结构。一切的创作都诞生自“混沌”之中，一切的灵感也闪烁在“群星”之间。借用罗兰巴特的术语，作者想要表达的东西只是一本“循环论证的，看似包罗万象的词典”，而观众正拿着另一本相异的字典进行解读。
泻药。这是一个很有趣的问题，但本人不是一个正统的文艺理论工作者，也不是哲学领域的研究者，所以只能以浅薄的知识抛砖引玉，还望他人做更详细的解答。 作为开场白，我想问各位：每一种“创造”不都是从“无”中诞生的么？每一瞬“灵感”也不都是从“灵光…
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