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问下，金源盛边上的蒙娜丽莎婚纱还缺人不，朋友学的婚纱设计。收藏
想找工作。诚心的。
或者说哪里的婚纱店缺人。
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呵呵楼主很负责的告诉你不管住，管中午一顿，月薪800，学徒级工资
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为兴趣而生，贴吧更懂你。或【提问】一直不明白为什么87版拉斐尔的女朋友叫“蒙娜丽莎”_忍者神龟吧_百度贴吧
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【提问】一直不明白为什么87版拉斐尔的女朋友叫“蒙娜丽莎”
话说，蒙娜丽莎不是达芬奇画的么，为毛要跟拉斐尔搞到一起？她应该当李队长的女朋友才对啊~~
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不必在意这些细节
跟拉斐尔的确有一腿(长得真像)
我还有个问题 为什么原著和03科比不给多尼画个女朋友 原著到后边才解决
不不，87年leo已经爱上了荷花
汉语：我是来打酱油的。英语： I'm going to buy some soy sauce.　 韩语： 나는 간장 소스.德语： ich gehe Sojasosse kaufen. 法语： je me suis prend que sauce de soja. 俄语： Я пришла за соевым соусом.荷兰语：kwam ik tot een sojasaus 西班牙语：me vino a un salsa de soja 意大利语：venuta solo a comprare la salsa di soia.你每到一个帖子就粘贴这句话，十五天就到了11级”.
菲尔果然汉子！直接扑倒？
这啥变异动物还有头发
在国外人气很高的
叫蒙娜丽莎确实不合适，叫西斯庭圣母怎么样？
楼主第几集 我要看
内&&容:使用签名档&&
为兴趣而生，贴吧更懂你。&或《蒙娜丽莎》到底好在哪里？现在没有人能画出这种水平的画吗？
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第一个问题：从肖像画绘制角度讲，《蒙娜·丽莎》是当时难得的肖像画精品，在人物的表情、面部结构、整体色彩方面都非常细致，可看出作者在这方面的大量钻研。这和笑不笑没有关系，是达·芬奇研究人物结构神情的精品。他后期的《施洗约翰》在表情方面也很不错，但整体色彩出现偏差，据说是由于他的视力开始衰退造成。从绘画科学讲，这幅作品是当时第一幅将绘画透视学在油画方面做得很成功的例子。蒙娜·丽莎背后的景色很符合现代透视科学原理。在当时很多绘画作品都还没有使用绘画透视学时，达·芬奇可以说是首创。以上是专业角度的看法。非专业角度的，众位朋友已都列举，这里就不多说了。第二个问题：从技巧方面看，现在很多潜心研究绘画艺术的画家，在技巧上已经可以说超越了祖宗们，玩技巧，恐怕当年的很多大师们都不一定能达到。但问题不在这里。当年的先辈终究是第一个吃螃蟹的人，现在无论我们把螃蟹吃出多少花样来，也都是建立在先辈已经发现螃蟹可以吃的基础上。所以在真正的艺术价值方面，现在的画家如果不能从美感价值、艺术品的社会价值（现实意义）角度有所突破，就还是走在老路上。比如说绘画科学，如果没有达·芬奇这样的大师第一个将透视科学、色彩科学、结构科学运用在绘画作品中，也一定会出现另一个达·芬奇。（谢谢@ 在绘画中第一个使用严谨的透视学法则的画家使马萨乔。）那都是在我们认识到这些问题之前。这就是前辈经验的价值所在。扯个题外话。现在很多人都不断说“革新”、“创新”之类。我不反对这种思想，但我反对所谓“不破不立”的思想。我们要改革、要创新，首先第一件事是要充分了解、认识、懂得并尊重基础和传统。没有对先辈经验的明确认识，“改革”就无从谈起。我们通常总会在打破某样东西之后，发现自己无法再造一个新的。所以要创新，一定要先学习前人的经验，真正理解前辈努力的价值，加上自己知识面的拓宽、专业技能的进步，我们才有可能说可以进行“变革”。
凭记忆，牛逼的地方很多，只想起了一点。据说蒙娜丽莎原话上覆盖了30多层颜料，而同一时期的画家通常只用10多层。这说明达芬奇用了3倍的时间追求作品栩栩如生的效果。----------------------也是凭记忆，抛开玄妙的主观欣赏，人们对文艺复兴时期作品的一下几点更感兴趣：1.材料进步。包括画布，颜料等的进步。在西方，艺术一直是科学技术、工业发展交织的。有时，甚至是艺术创作促进科学和工业的发展；2.射影几何。这个东西最初就是为了绘画而生的。文艺复兴时期它在绘画上应用达到了极致。对比古罗马和文艺复兴时期的绘画，可以明显看到这一进步；3.解剖学。 是的，这是现代医学、生物学都要感谢艺术的地方。为了艺术表现而研究的人体骨骼、肌肉的结构，最终得以治病救人。4.宗教和意识形态进步。这个不用多说了，教科书上一般都会着重将这一点。
去欣赏自己欣赏不了的东西，是痛苦的。试图强加欣赏它，除了装逼之外用处不大。如果你非要想去欣赏它，请主动脑补它的创作时代背景，去了解作者的性格特征，所处年龄，所处境遇，如果这些没有一个很好的把握，你所谈的对艺术的欣赏也是苍白无力的。
所以，诸位请主动脑补！脑补！别试图轻易去谈欣赏。
“蒙娜丽莎”也许根本就没有好在哪里。这画本来不是超级名画，1911年被卢浮宫里工作的意大利籍修理工 Vincenzo Peruggia 偷走之后，因警察在巴黎全城搜寻，这画才出名。Peruggia 偷这幅画的原因很简单：（1）画小好偷，仅77x53cm，（2）这幅画的玻璃框是 Peruggia 做的，他知道如何拆。 画在1913年才找到，Peruggia 在法庭辩解说要将法国从意大利抢走的画归还给意大利。但其实达芬奇晚年住在法国，分明是他自己卖这画给法国贵族的。而且 Peruggia 偷画根本就是为了赚钱，他曾多次试图将这幅画卖掉。这个事情当时给无聊的法国市井带来很多谈资、八卦。关于画是谁偷的，有非常多猜测和理论，就连当时碰巧住在巴黎的毕加索都被警察多次问话。Peruggia （据说这人是个语无伦次的 loser）最后在法庭上也有很多笑料。整个事情是欧洲陷入一战前的最后一次大型欢乐围观。Mona Lisa 的微笑，就这么出名了。 参考 参见 Financial Times "Who stole the Mona Lisa?"
@涮太 同学这么严格监督，不好意思不写一下出处了：下文引用自：贡布里希 《艺术的故事》第十五章 和谐的获得（P330-P334）莱奥纳尔多另有一幅作品可能比《最后的晚餐》更著名。那是佛罗伦萨的一位夫人的肖像画《蒙娜·丽莎》(Mona Lisa)(图193)。对于一件艺术作品来说，像《蒙娜·丽莎》这样享有那么显赫的名声并不完全是福分。我们在美术明信片上，甚至在广告上，已经司空见惯，以致很难再用崭新的眼光，把它看作现实中的一个男子所画的一个有血有肉的现实中的女子的肖像。然而，抛开我们对它了解的或者自信了解的那些东西，像第一批寓目者那样去观看它，还是大有裨益的。最先引起我们注意的是蒙娜·丽莎看起来栩栩如生，足以使人惊叹。她真像是正在看着我们，而且有她自己的心意。她似乎跟真人一样，在我们面前不断地变化，我们每次来到她面前时，她的样子都有些不同。即使在翻拍的照片中，我们也能体会到这一奇怪的效果；如果站在巴黎罗浮宫中的原作面前，那几乎是神秘而不可思议的了。有时她似乎嘲弄我们，而我们又好像在她的微笑之中看到一种悲哀之意。这一切听起来有些神秘，它也确实如此，一件伟大艺术作品的效果往往就是这样。然而，莱奥纳尔多无疑知道他怎样能获得这一效果，知道运用什么手段。对于人们用眼睛观看事物的方式，这位伟大的自然观察家比以前的任何一个人知道得都多。他清楚地看到了征服自然后有一个问题已摆在艺术家面前，这个问题的复杂性绝不下于怎样使正确的素描跟和谐的构图相结合。意大利15世纪那些效法马萨乔的艺术家的伟大作品，有一个共同之处：作品的形象看起来有些僵硬，几乎像是木制的。奇怪的是，显然不是由于缺乏耐心或缺乏知识才造成了这种效果。在描摹自然方面，没有一个人能比杨·凡·艾克(见241页，图158)更有耐心；在素描和透视的正确性方面，没有一个人能比曼泰尼亚(见258页，图169)了解得更多。但是，尽管他们表现自然的作品壮观而感人，可是他们的人物形象看起来却像雕刻而不像真人。原因可能是当我们一根线条一根线条地、一个细部一个细部地去描摹一个人物时，描摹得越认真，我们就越不大可能想到它是活生生的人，有实际的运动和呼吸；于是看起来就像是画家突然对人物施了符咒，迫使它永远站在那里一动不动，像《睡美人》(The Sleeping Beauty)中的人物一样。艺术家们已经试验过各种方法来打破这个难关。例如波蒂切利(见265页，图172)曾在他的画中尝试突出他的人物形象的卷曲的头发和飘拂的衣衫，使人物轮廓看起来不那么生硬。然而，只有莱奥纳尔多找到了解决问题的有效办法。这就是：画家必须给观众留下猜想的余地。如果轮廓画得不那么明确，如果形状有些模糊，仿佛消失在阴影中，那么枯燥、生硬的印象就能够避免。这就是莱奥纳尔多发现的著名的画法，意大利人称之为“sfamato”(渐隐法)——这种模糊不清的轮廓和柔和的色彩使得一个形状融入另一个形状之中，总是给我们留下想像的余地。 如果我们回头再看《蒙娜·丽莎》，就可以对它的神秘效果有些省悟了。我们看出莱奥纳尔多极为审慎地使用了他的“渐隐法”。曾经尝试勾画出或涂抹出一个面孔的人都知道，我们称之为面部表情的东西主要来自两个地方：嘴角和眼角。在这幅画里，恰恰是在这些地方莱奥纳尔多有意识地让它们模糊，使它们逐渐融入柔和的阴影之中。我们一直不大明确蒙娜·丽莎到底以一种什么心情看着我们，原因就在这里，她的表情似乎总是叫我们捉摸不定。当然还不仅仅是由于模糊就产生了这种效果，在它后面还大有文章。莱奥纳尔多做了一件十分大胆的事情，大概只有具备他那样高超才艺的画家才敢于如此冒险。如果我们仔细观看这幅画，就能看出两侧不大相称。在背景中的梦幻般的风景中，这一点表现得最为明显；左边的地平线似乎比右边的地平线低得多。于是，当我们注视画面左边时，这位女人看起来比我们注视画面右边时要高一些，或者挺拔一些。而她的面部好像也随着这种位置的变化而改变，因为即使在面部两侧也不大相称。然而，如果他不能准确地掌握分寸，如果他不是近乎神奇地表现出活生生的肉体来抵消他对自然的大胆违背，那么莱奥纳尔多使用这些复杂的手法就很可能创造出一个巧妙的戏法，而不是一幅伟大的艺术作品。让我们看看他怎样塑造手，或者怎样塑造带有微细皱褶的衣袖吧！在耐心观察自然方面，莱奥纳尔多狠下苦功，不亚于他的任何一位前辈。不过他已经不仅仅是自然的忠诚奴仆了。在遥远的往昔，人们曾经带着敬畏的心情去看肖像，因为他们认为艺术家在保留形似的同时，也能够以某种方式保留下他所描绘的人的灵魂。现在伟大的科学家莱奥纳尔多已经使那些最初制像者的某些梦想和恐惧变成了现实，他会行施符咒，用他那神奇的画笔使色彩具有生命。
《蒙娜丽莎》首先是幅好画，而且是好画中的好画中的好画题主问现在有没有人能画出来，首先绘画是创作，每个艺术家都在追寻自己的方向，没人会为了临摹而去临摹，而达芬奇的功力确实很高，同水平的人很少。（此处不应讨论仿品这个范畴吧？）原作看过，除了前面的人山人海影响看画的心情，不喜欢人多的我也没挤到最前排。但是对学美术的人来说，卢浮宫中还有其他不少同等重量级的名作，而且人少安静，鼻子贴上去看都行。所以要说《蒙娜丽莎》哪里画得好，可以从很多的专业角度来解读，但是题主想问的可能更是《蒙娜丽莎》为什么那么红，为什么比别的同重量级的画红? 我觉得从现在的角度说就是她身上的点多，糟点卖点优点，反复在非艺术领域被大家关注，太多东西离开了绘画本身，变得不纯粹。我觉得《蒙娜丽莎》的这种成名是达芬奇的不幸。
因为这幅画在当时的年代是一个了不起的创新。在这之前，当时请人画肖像画的都有钱有势有权上的人，都是为了给自己留一个光辉形象，画出来的画所想表现的东西也是自己多么高贵富裕。那种画一般都是九十度的侧面，表情严肃，不苟言笑。眼睛也根本不知道在看什么地方，反正不会看你，因为看不起你。还有就是技巧上的问题，画不了那样逼真。到了文艺复兴时期，一是技巧越来越成熟了，思想上也有很大的发展，就是大家所说的人文主义。对人的本性强调得更多了，不考虑你的社会地位，这对肖像画带来一场新的革命。
一个朋友去法国和我说：我终于知道为什么那么多小偷喜欢偷蒙娜丽莎了，因为它好小哦……失窃后的社会效应也是其价值中的一部分吧。
记得爱因斯坦的《论动体的电动力学》手稿，拍出了500万美元的高价。现在许多人都能写出更优雅、更精确的文章来诠释相对论的基本原理，但这些文章的价值，都绝不可能达到爱氏原稿的高度。修出一条路，比修缮一条路更加伟大。
看嘴的话笑意不是很明显，而看眼睛就能凭眼角周围产生的细小的皱纹判断他在微笑。这是后来判断一个人是否真心微笑的方面，而达芬奇早在当时就学会用这一手法“欺骗”我们~
大多数进了卢浮宫的人都会感觉这画真没什么特别,那么小,和其他大厅的画比起来差太远了,反正叔当时是这么感觉的.听讲宫的人说,这画是炒出来的,几百年来有人偷它,有人想损坏它,有人开专题会研究它,每一次发生这种事件都让它身价倍增
我是个门外汉。穿越一下儿。假设有人告诉达芬奇，“你不知道，世界上所有的思想和经验都蚀刻和塑造在你这幅画上，它极为精炼地浓缩盒表达了希腊的兽欲、罗马的荒淫、中世纪的幻想及其精神愿望和想象的爱、异教世界的回归。。。”，这时候他将说什么？达芬奇他老人家很可能会说，他从未考虑过这些问题，他关心的仅仅是线条盒块面的组合，蓝色和绿色的和谐。。。
首先这个人叫 Leonardo da Vinci，意思为来自芬奇这个地方的里昂那多。叫他达芬奇是早期小学课本错误，里昂那多更为妥当。简要提出几个重点：1.第一画工超越前人（Sfumato展示出极度精细的颜色渐变）2.第二肖像画的突破（以往的意大利肖像画都是画侧面的，而里昂那多开始画正面） （里昂那多参考画作 Ginevra de' Benci c.
Kb); Oil on wood, 38.2 x 36.7 cm (15 1/8 x 14 1/2 in); National Gallery of Art, Washington, DC） 3.科学的透视画法+背景模糊体现 里昂那多对于视角的理解超越前人。4.画中之人不是神秘人（或者有人说是他自己的自画像），此类言论乃无稽之谈。
画中之人是某商人（名字我忘了）的妻子，该商人邀请里昂那多画的。个人想强调艺术的自身价值和失窃无关。
看不懂，所以以一个普通人的眼光来看着画觉得很平常。
一个有名的画家无论画出什么东西都是价值不菲的。无论你凝视任何一个人的笑容，久了都会发现哭？笑？忧愁？思念？根本分不清。而所谓价值不过是后人赋予的而已。作品得看他出现的时间地点人物和传达的精神，本身的技艺成了次要，痴肥是对技法有重大改变的。
在卢浮宫见过真迹，卢浮宫太大了，那天我和朋友基本就是奔来奔去找维纳斯胜利女神几件镇馆之宝的。好容易找到画，我们转身就走。大概走了50米我说，「真迹哎，我们一共就看了两秒吧？」于是仓皇回头再去瞻仰。数分钟之后朋友说「你说她美在哪儿啊？」我艰难地应道「你有没有觉得 她要秀顶了？」哎 只能说 我不懂画 也不懂她。
这幅画，纯粹从技术角度看，她的笑容是无比奇妙的。你用开心的心情看她，她是在笑。你用伤心的心情看她，她是在鄙视你。达芬奇，当时就用了绘画技巧来欺骗我们的眼睛。
把這個問題延伸一下就是爲什麽現在能夠被稱作masterpiece的作品幾乎沒有？我覺得現今世界上的信息量太多，導致很多信息都是在平衡對等的情況下出現就沒有一個很突出的情況。所以現在能讓人稱作偉大作品的，相信現在也只是有團體性的贊同，而不是全體性來出現了。
看了大家的回答也想说两句第一，我看了一些文艺复兴前的绘画，大多数画神的画，里面的神的表情都。。。非常欠揍。。。就是面无表情，还略带藐视无聊轻蔑迷茫的眼神，没有一个是笑的，对连一点点笑都没有，后来开始有人画一些会笑的人像画了也画的非常僵，一直在蒙娜丽莎，算是真正画出彩了，画动人了，画迷人了。第二，蒙娜丽莎一定程度上标志了文艺复兴，关于这一点大家没有意见吧？但是我好想没有看到有人进一步想一下为什么一幅画能标志一个时代？
我是这样去理解的，在一个没有电话，电脑，手机，网络的年代，传播途径最快的肯定是艺术，为何呢？你想想全国有多少人知道近代中国最伟大的物理学家？你再想想全国有多少人会哼月亮之上？好比我在清朝要反清复明，我写一篇文章是没有办法传播出去的，画成好画，编成好歌，一下子可能全国就传开了。一点愚见 不知大家觉得如何
好的地方很多呀。首先构图就很好，你不难发现很多后来的人物的肖像画都在效仿这幅画；其次，达芬奇第一次发现在自然中其实并不存在真正的轮廓线，所他将它抹去了；而后，人们通过研究总能发现各种惊奇的秘密，比如画里隐藏的符号，蒙娜丽莎的脸其实是达芬奇自己的脸，等等很多；最后，一定是神秘的微笑。。。关于这幅画的讨论实在很多啊，能想起来的就这点了，期待有一天可以亲眼见见}